Notas

I Soliti Ignoti (1958)












Director: Mario Monicelli

Uma boa comédia deste realizador italiano. Não é um grande filme, porque tem pequenas falhas, ou melhor, faltava mais de muita coisa. Mas naquela altura, as coisas eram feitas com paixão e por isso qualidade não lhe falta. Gostei do humor genuíno e de situação (planeamento assalto), do classicismo próprio da época e são 90minutos muito bem passados. E Woddy Allen veio aqui beber muito do que é a sua filmografia, de certeza!

Enter the Void (2009)













Director: Gaspar Noé

Gaspar Noé leva-nos numa viagem completamente alucinogéna onde consegue criar o efeito de vermos o filme sob efeito de ácidos. Pretensão ou não, o certo é que o filme é constantemente desconcertante e claustrofóbico e é uma visão original para explorar o mundo de sexo, drogas. Depois há que destacar o excelente contraste que o efeito néon tem com a cidade de Tokyo e toda a negrura daquele ambiente de crime. Pena que para o final o filme se perca e é claramente notório que Gaspar Noé também o perde. Uma experiência única.

Days Of Heaven (1978)












Director: Terrence Malick

Uma obra poética que Malick realizou com toda a dedicação e amor que tem pela natureza e pela envolvente idílica que as belas imagens têm. Excelente fotografia e realização, bem como da banda sonora (Enio Morricone, claro está!). E a maneira como Malick consegue criar suspense e mistério sem nunca ser demasiado denunciado. A forma como se espreita um fim trágico. Muito bom, sem dúvida.

Stranger Than Paradise (1984)

Director: Jim Jarmusch

Percebe-se que é Jarmusch. E percebe-se porque está lá todo o minimalismo que lhe é reconhecido.
É minimal os diálogos, as personagens, a realização (estática). A maneira como Jarmusch consegue fazer com que Eva, uma mulher simples mas com uma mentalidade diferente da do sonho americano, consiga fazer com que toda a gente se apaixone por ela é muito inteligente.
Stranger Than Paradise retrata muito bem o tédio, principalmente o tédio de uma América ingénua (vê-se isso nos costumes e gostos de Eddie e Willie). Um Willie que tenta negar as origens. E aqui Eva consegue fazer mudar a sua maneira de ver as coisas. A procura desse paraíso perdido.
Pena que seja a momentos um filme que parece que falta alguma substância, ou seja minimalista sim, mas com um sentido como senti em Broken Flowers.

The Virgin Suicides (1999)

Director: Sofia Coppola

Esta primeira obra de Sofia Coppola é um filme prometedor de uma carreira que sempre tentou fugir do mainstream. Os finais do século XX e inícios do século XXI ficaram marcados por um movimento indie no cinema (independente/alternativo). E esta senhora encaixa-se perfeitamente aqui.
Em The Virgin Suicides, Coppola filma, como muito bem sabe, o silêncio e a envolvência das personagens. Como em Lost in Translation o amor físico nunca chega a existir mas não deixa de existir. Neste caso são os miúdos que observam e se apaixonam pelas belas irmãs (Kirsten Dunst está lindíssima). É também um retrato de uma adolescência que vivia os seus sonhos, uns mais liberais e outros com barreiras impostas por valores conservadores. Este é, aliás, o condutor para o ponto clímax do filme.
Faltou no entanto alguma intensidade narrativa, ainda que Sofia Coppola saiba explorar muito bem os espaços e o silêncio.

Pink Floyd - Atom Heart Mother

A música Atom Heart Mother é sem dúvida a obra-prima dos Pink Floyd. Consegue estender-se durante 23:44 minutos seguindo numa sonoridade clássica assustadora, negra e apocalíptica.
É por consequente a obra mais visionário e arrojada, só realmente capaz para uma banda tão complexa quanto a mesma.

Apocalypse Now (1979)

Director: Francis Ford Coppola

Em Apocalypse Now, Coppola filme de forma magistral a guerra e os efeitos dela no homem. Tudo o que ela traga à condição humana, mas neste filme é mais evidenciado a loucura e o lapso mental e psicológico daqueles homens. Transformados em tanques de guerra onde a linha entre o racional e o irracional é muito ténue. O aspecto visual é violento e frio (não tanto como Platoon), e apresenta um rigor estético que nos presenteia com planos memoráveis. A cena dos helicópteros a sobrevoar a povoação e sob o som de Wagner está perfeita. Uma imagem mais visionária de Coppola.
Há solidão, (principalmente em Willard (Martin Sheen)), visível no momento no barco em que eles recebem todos uma carta. O desenvolvimento de Willard acaba por ser interessante, vemos um homem que não "existe" fora daquele cenário e que a viagem até ao coronel Kurtz (Marlon Brando) acaba por ser uma espécie de redenção, como que a única coisa que a guerra ainda lhe possa oferecer. A meu ver foi uma homenagem do realizador a Marlon Brando, visto que o mesmo se acaba por ser o clímax de todo o desenvolvimento narrativo.
Muita mais coisa, felizmente, se podia dizer de Apocalypse Now.

Rope (1948)

Director: Alfred Hitchcock

Rope é uma espécie de filme teatral do Mestre do suspense, Hitchcock. Todavia este filme não tem no suspense a sua base mais forte, mas antes um classicismo psicológico e de certa forma, filosófico. Nietzsche é uma premissa deste argumento, a questão do ser superior em relação ao ser inferior. Hitchcock guia um acontecimento macabro reduzido a apenas 4 paredes mas nem por isso o filme chega a ser aborrecido ou perde a tensão perturbadora, muito por culpa de um argumento coeso e consistente durante os 80 minutos.

C'era una volta il West (1968)

Director: Sergio Leone

Obra-prima!

Essential Killing (2010)

Director: Jerzy Skolimowski

"É a jornada angustiante e (des)norteada de um homem encurralado - primeiro na paisagem lunar do Afeganistão com seus ardentes desertos e inquietas ravinas, depois na paisagem igualmente lunar, na florestas refrigeradas do norte, talvez na Polónia ou na Noruega, tanto faz. E também quase tanto faz tratar-se de um homem. Neste caso um Talibã, capturado pelos militares americanos, ensurdecido por um disparo de helicóptero, torturado e deslocalizado para estas paragens do primeiro mundo, onde a fuga e os assassinatos em série acontecem porque simplesmente se proporcionam. Diz-se um homem, podia tratar-se de uma daquelas raposas desorientadas, perseguidas pela algazarra da matilha de Beagles e estranhos seres de casaca encarnada montados noutros animais galopantes. Ou aquelas que preferem roer a própria pata para escaparem da armadilha. Este foge, porque sim. E mata, porque sim, também. Porque tem de ser, a sobrevivência é mesmo assim crua, silenciosa, brutal, selvagem, obstinada. E essencial, como diz a versão original do título, Essential Killing.

Nas mãos de Skolimowski ele torna-se um thriller existencial, minimalista, em que o barbudo afegão (só sabemos que ele se chama Mohammed pelos créditos finais), não pronuncia uma única palavra ao longo do filme. Limita-se arfar, a gemer, a urrar, a tremer de medo e de frio, a matar a fome e as pessoas também a frio, a alucinar também no frio - pelos vistos também podem acontecer miragens em desertos gelados. É uma interpretação gutural, de uma fisicalidade absoluta, e que garantiu a Vicent Gallo o prémio de melhor actor no Festival de Veneza - aliás, o próprio filme saiu premiado...

...Através de panorâmicas gerais, travellings aéreos, a exibir a pequenez deste animal ferido que vai deixando rasto na paisagem - a neve é um denunciante implacável para um fugitivo ensanguentado -, ou de planos subjectivos, com um design sonoro absolutamente notável e torturante. Matas ou és morto: a absurda lei da vida."

Ana Margarida de Carvalho

Biutiful (2010)

Director: Alejandro González Iñarritu

Biutiful é a consagração do cinema de Inarritu, é a consagração da sua visão trágica e pessimista da vida. Biutiful é a também a consagração de um actor que dá tudo ao cinema. Javier Bardem, uma espécie de De Niro do cinema contemporâneo. O realizador explora o anti-herói moderno (referência de Clint nos filmes de Leone), um homem que vive duas realidades distintas. Se por um lado Uxbal é um pai dedicado, ainda que num contexto familiar degradado, por outro é um homem que vive do submundo do crime. Apesar de ter um lado humano grande, ele não deixa de fazer isso por dinheiro.
Aqui o sonho deixou de existir e o expoente desta visão é a de Uxbal pois foi-lhe diagnosticado um cancro. Todas as personagens parecem caminhar para um fatalismo catastrófico e caótico. O aspecto visual e estético (ainda que reduzido) é visto num panorama de degradação social e humano, aliás como é habitual no realizador. Multiculturalidade, exploração infantil e primitiva, tráfico, corrupção, tudo isto nos subúrbios de Barcelona. Inarritu quis também pegar nesse contraste onde a realidade negra e crua se mistura com a liberdade e o cosmopolitismo da cidade.
Acima de tudo Biutiful é o extraordinário retrato do lado negro da vida sob o olhar de um homem atormentado e sem esperança.

Os filmes que me marcaram

Uma lista com os filmes que mais me marcaram:

1 - C'era una volta il west - Sergio Leone - 1968
2 - The Shawshank Redemption - Frank Darabont - 1994
3 - The Lord of the Rings - Peter Jackson - 2001,2002,2003
4 - 12 Angry Men - Sydney Lumet - 1957
5 - Birdman of Alcatraz - John Frankenheimer - 1962
6 - Pulp Fiction - Quentin Tarantino - 1994
7 - Goodfellas - Martin Scorsese - 1990
8 - A Clockwork Orange - Stanley Kubrick - 1971
9 - The Assassination of Jesse James - Andrew Dominik - 2007
10 - The Treasure of Sierra Madre - John Huston - 1948

Pickpocket (1959)

Director: Robert Bresson

Foi o 1º filme de Bresson que vi, mas fiquei perplexo com a incrível mudança que ele criou no cenário do cinema. É escusado estar aqui referenciar todos os moldes do seu trabalho, porque muito já se falou. Apenas queria referir que Pickpocket foi sem dúvida o filme mais inexpressivo que vi. Mas a inexpressividade do cinema de Bresson vai de encontro à sua forte exigência para com outros aspectos, como a importância do acto (filme filmado, quanto a mim, em género de actos isolados), a genialidade da materialização dos actos (fantástica aquela sequência de roubos na estação). Nota-se que a mesma só foi possível ser exímia devido à austeridade do autor. Outro aspecto refere-se à narrativa, seca e vazia, mas com pontos paradoxais, com clara influência do escritor russo Dostoievski (pelos livros que li dele, notei essa similaridade). Resta-me continuar a ver a obra deste grande realizador francês, outrora notável e esplêndido para muitos dos que fizeram parte da nouvelle vague.

Il Postino (1994)

Director: Michael Radford

Il Postino é um hino à amizade, ao amor, à simplicidade da vida e à poesia. A poesia é um fio condutor para se tornar numa metáfora relativa ao filme. Il Postino é uma comédia, um drama, um romance, o que lhe quiserem chamar. Aquilo que fica para a história é um dos filmes mais belos e mais puros que o cinema já proporcionou. É bela a inocência de Mario Ruoppolo (Massimo Troisi, num papel simplesmente brilhante). A forma como cativa Pablo Neruda (Philippe Noiret), a amizade pura que se vai criando entre os dois, o significado da natureza na poesia, e acima de tudo o lirismo que brilhanteia todo o filme. O ambiente político que existe no plano de fundo torna-se redutor perante o produto principal da fita que é sem dúvida a amizade e o amor pela vida.
É um filme que vive também muito da magia do cinema italiano e isso, felizmente, sente-se.

Nineteen Eighty Four (1984)

Director: Michael Radford

Num cenário apocalíptico, 1984 centra-se numa sociedade distópica onde não pode haver lugar a sentimentos nem interesses individuais. Não li o livro, portanto não posso fazer uma comparação com o filme e aquilo que posso reter é o que visualizei. Michael Radford pegou num tema brilhante para explorar, é certo que já explorado por muitos antes. Mas conseguiu trazer humanismo e esperança (tem de existir apesar de todo o caos que está patenteada nos cenários) numa fita onde o ambiente sombrio e despadaçado é figura principal. George Orwell, autor do livro descreveu um cenário hiperbolesco das consequências dos regimes totalitários. O autor alerta para o capitalismo desmesurado que as sociedades modernas enfrentam. O filme tem, portanto toda uma vertente sociológica que é vista sob o olhar de Winston Smith (John Hurt). O colectivismo prevalece sobre o individualismo, a consciência dá lugar à automatização e racionalização. O que interessa é a ignorância das massas. Todos os movimentos da população são vigiados pelos polícias do pensamento, homens que não são mais do que verdadeiras máquinas de obediência ao Grande Irmão.
Resumindo o livro é uma verdadeira mensagem intemporal.

Blood Simple (1984)

Director: Joel and Ethan Coen

A primeira longa metragem dos irmãos Coen tem muito de tenebroso, misterioso, negro e muita sorrealidade. Aliás, é precisamente neste ponto que a fita tem mais potencialidade percebendo-se claramente a influência de Lynch. Blood Simple é um filme tão negro que arrasta consigo quatro personagens que expelem o seu lado mais negro e psicótico. A exaustão da mente humana é a grande peça do tabuleiro de jogo em que estão inseridos as personagens. Os Coen deixam também antever algumas das suas características nas suas fitas mais recentes. O Texas como plano de fundo, Francis Mcdormand, algum toque de humor negro, e acontecimentos surreais constantes que acabam por moldar o filme na extensiva.

Mise-en-scéne

Na linguagem teatral, é a disposição de cenários no palco e por extensão do sentido significa “cena, fingimento, simulação”. Em outras palavras, encenação.

O'Horten (2007)

Director: Bent Hamer

Está lá todo o realismo inerente ao cinema europeu, ainda para mais o cinema nórdico. Estão lá também as paisagens monótonas de cortar a respiração aliadas a uma fotografia não menos exemplar. No entanto peca também por ser demasiado mecânico, mas provavelmente o cinema nórdico não consegue fugir a isso, já que este está preso a uma cultura que prima valores como a organização, monotonia, mecanização, metodologia. E está lá também, acima de tudo, a frieza que caracteriza estes povos. Falta aquela magia do cinema europeu ocidental, latino.
Ainda assim Bent Hamer faz um grande trabalho e com momentos bastante sorreais.

A minha Sessão Jim Jarmusch (Parte 3)

The Limits Of Control (2009)










Broken Flowers (2005)










Coffe And Cigarettes (2003)










Ghost Dog (1999)










Dead Man (1995)

Birdman of Alcatraz (1962)

Director: John Frankenheimer

Alcatraz parece estar talhada para grandes filmes. John Frankenheimer consegue fazer um dos filmes mais belos que já vi. É um filme de amor, de compaixão, de companheirismo (simbologia aos pássaros), de liberdade da alma humana e de esperança. Robert Stroud (Burt Lancaster) depois de ser condenado a prisão perpétua, encontra na prisão a sua esperança de vida e o seu verdadeiro dom. Após encontrar um pássaro no pátio, começa a cuidar dele e toda a história de amor começa aí. A analogia feita com os pássaros está incrivelmente bem feita. Afinal o pássaro também está destinado a estar atrás de grades (gaiola), e Stroud vê nele o escape à solidão e à displicência dos guardas e funcionários institucionais. Homens que não são mais do que leis e regras. A materialização do homem é uma dura crítica do realizador. A bom ver eles estão também limitados àquelas paredes. É antagónico.
Stroud transforma-se numa luta contra o sistema através da sua simplicidade e da sua astúcia. Essas virtudes e também a dedicação demonstrada aos pássaros permitem-lhe ganhar a amizade do guarda prisional responsável pela sua secção. Birdman tem também um toque de existencialismo já que é nas celas que a vida de Stroud se passa e onde ele se descobre e liberta e nunca perde a esperança, se bem que com alguma ironia, de sair.
Birdman of Alcatraz é sem dúvida uma verdadeira obra-prima.

A beleza do cinema Europeu

François Ozon, Swimming Pool, 2003

Porque gosto do cinema europeu?
Porque é mais humano, mais realista, mais natural nas expressões, mais existencialista na medida em que demonstra os problemas do quotidiano das pessoas, mais intenso nas relações que se estabelecem com os outros, nada melodramático (especialidade dos americanos). Isto é, não há a tentativa de forçar ou abusar de sentimentalismos e dramatismos. A dramatização no cinema europeu vem por força das imagens, das excelentes interpretações, do diálogo e, principalmente, pela natureza dos actos. O que é, é! A vida tal como ela é. Sem efeitos, sem caracteres, sem cápsulas de bom senso, e complexa. Não estou contudo a refutar a qualidade no cinema americano. Aliás é precisamente aqui que se encontram igualmente grandes obras e onde é notória uma influência em toda a indústria. Como em todo o lado, existem grandes mentores, responsáveis por projectos que serviram para apaixonar os amantes do cinema.
No entanto se o auge do cinema norte americano se encontra nos anos 40, 50, não menos verdade é, que esse facto acontece porque foi beber aos grandes génios europeus que impulsionaram a indústria cinematográfica. Falo naturalmente de Murnau, Chaplin, Buñuel, irmãos Lumiére. Depois sim, Orson Welles, Hitchcok, Billy Wilder, John Huston.
Oh, a beleza do cinema europeu...

Mascar Tabaco e a Parceria Leone-Clint

A minha sessão Tarantino (Parte 2)

Inglourious Basterds - 2009










Death Proof - 2007









Jackie Brown - 1997











Pulp Fiction - 1994










Reservoir Dogs - 1992

A versatilidade de Tom Waits

Leitura do Cinema

O cinema deve-lhes a eles:

Woody Allen, Kubrick, Andrey Tarkovsky, Lumet, Inarritu, Billy Wilder, Clint Eastwood, Tarantino, Scorsese, Copolla, Lynch, Fincher, Jim Jarmusch, Polanski, Kusturica, Gus Van Sant, Giuseppe Tornatore, Bertolluci.

Persepolis (2007)

Director: Vincent Paronnaud, Marjane Satrapi

Já tinha visto Valsa com Bashir e agradou-me muito aquele tipo de filme. A revolução islâmica foi um processo sangrento que marcou profundamente a história do Irão. A revolução islâmica ( Iraque invadiu o Irão) trouxe ao País o regime fundamentalista e repressivo que marcam a cultura oriental. Em Persepolis, a pequena Marji é o sonho. É o sonho do povo iraniano moderno e que se regem pelos costumes ocidentais. Costumes considerados imorais. Persepolis é um grito de revolta contra um regime que tira a liberdade do homem, a liberdade de um sonho, a liberdade de uma vida. Custa-me ver como é possível ser fiel a um fanatismo religioso, mas é impossível infringir na Lei de um País e de toda uma cultura. Certamente iria provocar novas guerras. O aspecto gráfico é de cortes simples, o que ajuda a que algumas situações possam ter um aspecto mais crítico e surreal.

Broken Flowers (2005)

Director: Jim Jarmusch

A minha estreia de Jarmusch. O minimalismo da sua realização, o tempo certo, a apatia da personagem, a reconstrução do passado com base no presente e um sonho no futuro (o filho que poderia, ou não, ser um mito). Depois o Afro Jazz a carimbar o percurso do homem. Muito bom realmente!

A minha sessão Kubrick (Parte I)

The Shining -1980











Dr. Strangelove - 1964











A Clockwork Orange - 1971











Full Metal Jacket - 1987











Paths Of Glory - 1957











Spartacus - 1960










The Killing - 1956

The Squid and the Whale (2005)

Director: Noah Baumbach

Um filme bem interessante este de Noah Baumbach. É um atestado ao conceito de família moderna, uma realidade onde os pais várias vezes se sobrepõem aos interesses e à própria educação dos filhos. Gostei da forma intimista como Noah o faz e como se preocupa em mostrar como duas crianças podem sentir os erros dos pais, principalmente se elas tiverem em idades de auto afirmação. A separação dos pais reflecte-se de tal forma no filho mais novo que, apesar de já parecer ter uma certa maturidade, o miúdo vai à descoberta do seu próprio corpo. Por outro lado o filho mais velho tenta agir como os pais relativamente às outras raparigas, de forma a culpabilizá-los pela separação e esconder-se das suas fraquezas. Os pais, esses são de facto os responsáveis pelo estado dos filhos. Esquecem-se que primeiro está a educação deles e que só depois é que podem planear o que quer que seja. Se, por um lado, o pai Bernad (Jeff Daniels) é um maníaco compulsivo em não gastar dinheiro e por tudo o que não seja “filisteu”, por outro a mãe vive em constantes conflitos emocionais e sexuais.

The Squid and The Whale é um relato muito interessante sobre a família, sobre os erros pessoais, sobre a importância do casamento, um pouco à semelhança do que outrora fez Woody Allen em vários filmes seus. Deixo uma nota bastante positiva ainda para o facto de a música do filme ser “Hey You” dos Pink Floyd.

Transamerica (2005)

Director: Duncan Tucker

A transsexualidade ainda é um tema muito difícil de explorar numa sociedade carregada de preconceitos e frustrados. Duncan Tucker aproveita aqui um tema pouco explorado, para lançar duras críticas à América dos dias de hoje. Uma América conservadora, ingénua, e acima de tudo onde reside uma população que está escondida das suas verdadeiras identidades. A melhor maneira de ocultar o nosso verdadeiro "eu" é viver em conformidade com os valores do conservadorismo e do preconceito. Este é um dos focos que o filme procura alertar. No meio disto encontramos Bree (Felicity Huffman), uma transsexual que procura a felicidade e uma nova vida. A actuação de Felicity está assombrosa, sendo esse um dos pontos fortes do filme. Ao mesmo tempo que procura o seu filho, para, assim poder fazer a operação, é igualmente uma maneira de se tentar erguer e ter certezas de que o passo que vai tomar é o correcto. É um problema que precisa de acompanhamento psicológico para ter certezas de que a pessoa está realmente consciente do passo que está a tomar.
Apesar de tudo o filme consegue pegar num tema controverso e criar uma narrativa ligeira e bastante agradável.
É um filme essencialmente sobre transsexualidade, sobre o preconceito e descriminação!

Un Prophète (2009)

Director: Jacques Audiard

Excelente filme de Jacques Audiard. Uma magistral exploração sobre a origem do crime no homem.
É a libertação de um homem e de uma mente. Malik (Tahar Rahim) entra na prisão como um homem inocente e sem escolaridade e nela se torna um homem astuto e dominador das classes.
Audiard faz um retrato exímio sobre os efeitos da prisão no homem. É esta que liberta o verdadeiro criminoso que há em cada um de nós. Malik torna-se o génio do crime. Vive sob protecção das várias máfias e assim vai ganhando o seu espaço e imposição.
Todas as cenas são filmadas num ambiente negro, tornando evidente o cenário degradado e corrupto que são as actuais prisões. Essa é, precisamente, também uma das críticas que o realizador faz. O sistema judiciário francês não é diferente dos outros países. Emana corrupção e interesses políticos e jurídicos que, "nós" sendo um mero peão neste jogo, assistimos a isto sem nos impormos. É um filme anti-imigração, uma crítica à imigração como o impulso do crime e da corrupção presentes no País.
Audiard faz um produto excelente e apontado a vários pontos.

Lock, Stock And Two Smocking Barrels (1998)

Director: Guy Ritchie

Sustentado num argumento original e excelente, o filme é um cocktail de emoções hilariantes que conseguem prender o espectador no sofá. É filmado num ritmo alucinante, à semelhança do também bem conseguido "Snatch". Apesar do ritmo, o argumento não descuida nem um bocado, apresentado sempre uma consistência muito boa. O filme é uma alusão ao dia a dia do submundo do crime. Aos "pequenos" gangs e mafiosos que circulam na cidade de Londres. Aliás, de salientar que, a cidade encaixa perfeitamente neste cenário negro e cinzento, carregada de crimes atrás de crimes.
As histórias são várias, mas todas têm alguém em comum, o que faz com que, precisamente colidam num momento. Sou fã de comédias negras e Guy Ritchie provou que o sabe fazer, e com muita qualidade. Os movimentos com a câmara em slow motion serve para intensificar as cenas. Lock, Stock And Two Smocking Barrels é exactamente o mundo da corrupção, dos jogos sujos, de personagens mirabolantes e de um Guy Ritchie com tiques interessantes. Toda a surrealidade que está patente é o exemplo perfeito de quem joga os interesses pessoais em detrimento do grupo.

Original, cativante e muito consistente!

Cassandra´s Dream (2007)

Director: Woody Allen

Uma comédia trágico grega, caracterizando os dias de hoje. Aqui temos Woody Allen num registo mais filosófico e trágico, próprio do seu pensamento pessimista. Allen é um pessimista por natureza, vimos isso em vários filmes seus. Dois irmãos envolvidos em problemas, vivem sob o disfarce dos seus trabalhos. Um é um viciado do jogo, o outro é um aspirante ao negócio dos hotéis. Cassandra é o seu sonho. Ou melhor, é aquilo que lhes permite sonhar com as suas vidas perfeitas.
"quando passamos a linha do limite, não podemos voltar para trás"...Allen coloca as suas personagens num jogo onde o fim trágico e imprevisível é sempre a solução mais provável. O homem e os seus valores perdem sentido quando concluem que vale tudo em jogo.
Gostei de ver Colin Farrel num registo dramático. Bem dramático. Encarna o papel de um homem depressivo. Aqui parece-me também que é um dos objectivos que Allen quis transparecer. A depressao. Uma realidade. Uma doença dos dias de hoje. No entanto em cada situação está iminente a comédia como escape ao desabar de todas as situações. Mas o que realmente entretém os espectadores e que o realizador consegue fazer é, precisamente, essa ironia perante tanta tragédia. Bem ao estilo de um dos seus mentores, Fiódor Dostoiévski.

Não é dos filmes onde Allen expõe o seu lado intelectual, mas é um drama psicológico que é exibido a um nível bastante aceitável.

The Ten Commandments (1956)

"Go, get thee down, for thy people have corrupted themselves.

And the people rose up to play and did eat and drink.
They were as the children of fools and cast off their clothes.

The wicked were like a troubled sea whose waters cast up mire and dirt.
They sank from evil to evil and were viler than the earth.
And there was rioting
and drunkenness, for they had become servants of sin.
And there was manifest all manner of ungodliness and works of the flesh,
even adultery and lasciviousness,
uncleanness, idolatry and rioting, vanity and wrath.
And they were filled with iniquity and vile affections."

The Treasure Of The Sierra Madre (1948)

Director: John Huston

Um verdadeiro clássico do cinema. Sob as mãos também de um dos mais míticos nomes do cinema. John Huston. Com uma aproximação natural ao western, pelas cenas de tiroteio e o aspecto paisagístico, este filme no entanto ganha mais contorno como um clássico devido ao poderoso argumento e à concentração que é dada nas personagens. E aqui também não aparece o anti-herói, típico do género western.

O que aqui temos são três perdidos (Humphrey Bogart, Walter Huston, Tim Holt) e sem trabalho que vão à procura da oportunidade da sua vida. A oportunidade de ficarem ricos, ou de pelo menos conseguirem uma vida mais estável e menos atribulada, sem ter que mendigar e definhar.
Já sabemos que a procura pelo dinheiro pode ser destrutiva, visto que leva a atitudes como a ganância e descontrolo emocional. E o que filme quer mostrar é esse mesmo sentimento. Quando a, dada altura, os três conseguem amealhar uma boa quantia de ouro cada um, o sentimento de traição e dúvida uns sobre os outros, começa a pairar. Qualquer movimento que um dê sem rasto, é logo posto em causa. O ouro tem o poder de materializar-se nas pessoas e faz com que a razão e a consciência deixem de existir. Howard (Walter Huston) é o homem da razão, talvez por ser mais velho. Ele sabe desde o início do plano que o descontrolo dos parceiros é provável, mas tenta amenizar todas as situações através da sua perspicácia e prudência. É como se fosse a voz da razão a comandar duas cabeças menos capacitadas. E como é referido no filme quem vai à procura de fortuna, gasta essa fortuna na procura de outra fortuna. É precisamente esse o enfoque do filme. O grupo não sabe dizer "basta, vamos para casa"!. Uma situação que pode espelhar muito bem os dias de hoje e, em geral, a sociedade. A ganância apodera-se de tal forma nas pessoas, que elas perdem completamente o controlo emocional e racional. Uma situação que é muito bem transmitida no filme, acontece quando Dobbs (Humphrey Bogart) perde-se nos seus pensamentos intrínsecos, permitindo que o seu subconsciente se sobreponha ao seu consciente.

Todas as cenas, ou grande parte delas, são embebidas de uma música de fundo que ajuda a criar o ambiente de tensão que é vivido pelos três. Quem está a assistir fica sempre com a ideia de que algo vai correr mal e que o plano vai falhar. Ficou marcado como um dos grandes clássicos do cinema e com toda a sua justiça. Tem todos os ingredientes que o fazem intitular como tal. Excelente!

The Killing (1956)

Director: Stanley Kubrick

Do começo da carreira de Kubrick, somos presenteados com este "The Killing". Não alcança os níveis de alguns sucessos que a sua carreira ditou, mas sendo um dos primeiros filmes que realizou, apresenta-se a um nível muito bom, próprio de grandes mentes e a espelhar a promessa de uma carreira que fala por si.

O argumento baseia-se no planeamento de um grande golpe que encheria os bolsos do bando. Está minucioso e atractivo e acima de tudo apresenta já uma maturidade relevante e que torna o filme de grande valor. Só uma grande mente é que poderia preparar e planear este assalto. Esse alguém foi encarnado no papel de Johnny Clay (Sterling Hayden, numa performance muito boa).
Kubrick não quer contar nenhuma história perfeita e que coincida com um final que seja agradável a todos. Muito pelo contrário, o realizador tem a preocupação de construir um trama por vezes complexo e que enfoque nas personagens. A estrutura do filme não é linear, ou seja, o início torna-se um pouco ambíguo e difícil de nos enquadrarmos. Mas à medida que o filme vai avançando, torna-se meticulosamente esclarecedor e com um bom sabor no final.

Como tal, estamos perante um excelente produto para um início de carreira e a provar que melhores poderiam vir, que foi o caso. Um dos melhores realizadores que a história do cinema assistiu.